Le doy la más cordial bienvenida a la generación 2017 de estudiantes de Historia de la Música del Conservatorio Nacional de Música de Guatemala.
En estas páginas iré colocando alguna información que pueda serles de interés y utilidad en el desarrollo de sus actividades académicas a lo largo del ciclo escolar 2017.
¡¡Bienvenidos a este fabuloso mundo de la Música!!
Giuseppe Verdi, el que tal vez sea el mejor compositor de óperas de todos los tiempos, con títulos en su haber como Nabucco, Macbeth, Rigoletto, Il trovatore, La Traviata, La forza del destino, Aida y Otello fue rechazado en 1832 por el conservatorio de Milán a causa de su juventud y de que "sus ejercicios no mostraban especiales aptitudes para la música". Más adelante cuando Giuseppe Verdi ya era famoso, el Conservatorio quizo utilizar su nombre para llamarse de esa forma, pero en reciprocidad Verni no lo aceptó.
Es frecuente encontrar en la historia de la música casos de una precocidad realmente asombrosa. Esto no ocurre con otras disciplinas artísticas, salvando las siempre inevitables excepciones, por supuesto. Ni en literatura, ni en pintura, ni por supuesto en la ciencia encontramos algo similar. Hagamos un rápido repaso: Mendelssohn compuso su obertura Sueño de una noche de verano con sólo diecisiete años; Mozart escribió la mitad de sus piezas antes de cumplir los veintiuno, y a pesar de que tuvo una vida de treinta y cinco años llegó a escribir unas seiscientas obras; Meyerbeer era considerado un virtuoso del piano a los nueve; a esta misma edad dio su primer concierto Franz Liszt; Beethoven fue director de orquesta con dieciocho; antes de los dieciocho Shubert ya había escrito ciento cuarenta y seis canciones, tres óperas y dos sinfonías, además de mucha música de cámara; entre los diez y los trece años Haendel compuso más de cien obras religiosas; el padre de Isaac Albéniz preparó el primer concierto público de su hijo cuando éste sólo tenía cuatro años, dio su primer concierto privado con ocho y a los diecinueve ya era considerado un virtuoso del piano; y Weber, por citar un último caso, escribió su primera ópera a los trece años, y a los dieciocho era director de la Opera de Breslau. Pero hay cientos de curiosidades en el mundo de la música que nada tienen que ver con la precocidad, el talento o el esfuerzo de los compositores y sí mucho con el capricho, las manías u obsesiones de los hombres.
A toda la Generación 2013 les doy la más cordial bienvenida a mi Weblog del Curso Historia de la Música. En el mismo encontrarán temas relacionados con los diversos tópicos que en el desarrollo del curso se trabajarán. Espero que disfruten mucho de este fascinante viaje a través de momentos y lugares y de la música que en cada uno de ellos se desarrolló. Éxitos en este año 2013
Christoph Willibald von Gluck, el ilustre compositor de la ópera Orfeo y Eurídice, adoraba el dinero y la buena comida, cosa de la que no se avergonzaba a la hora de contarlo.
En cierta ocasión alguien le preguntó:
—Maestro, ¿qué es lo que preferís en el mundo?
—Tres cosas: el dinero, el vino y la gloria.
— ¿Cómo? Para vos, un músico, ¿la gloria viene después del dinero y del vino? No sois sinceros…
—Pues es bien sencillo… con el dinero compro vino, el vino despierta mi genio y éste me trae la gloria.
Un joven músico fue a visitar al compositor Charles Camille Saint-Saëns para que éste valorase una de sus composiciones. La obra resultó ser una vulgar copia de “El cisne”, escrita por el mismo Saint-Saëns.
Tras finalizar, el muchacho le preguntó:
-¿Cómo la titularía, maestro?
-La oca – replicó él sin inmutarse.
Período Contemporáneo (Continuación)
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En el Período Contemporáneo no hay formas musicales, como ya se había mencionado, si no tendencias o escuelas entre las que se pueden señalar:
Impresionismo: Es un movimiento estilístico que floreció hacia finales del siglo XIX e inicios del siglo XX. Se dio principalmente en la música francesa y se refería a las obras en las cuales el artista plasma la sensación o impresión que le ha causado alguna situación. Tomó su nombre de una exposición de pinturas que se denominaba "De las Impresiones". Fue encabezado por el compositor francés Claude Aquiles Debussy quien se vio influenciado por los pintores impresionistas franceses. El continuador francés de esta corriente composicional fue Mauricio Ravel.
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Expresionismo: Es considerada la antítesis del Impresionismo. Surgió hacia los años 1914 - 1918 en el transcurso de la Primera Guerra Mundial, y permitió a los artistas expresar los miedos y ansiedades de la humanidad del siglo XX. Las obras se caracterizaron por ser intensas, musicalmente complejas y de una estructura muy estudiada. Se evitaba en ella las armonías tradicionales y se hacía uso de las disonancias y la atonalidad. Sus líneas armónicas forman a menudo una estructura tan densa que hacen irreconocible la melodía. Las primeras evidencias de esta tendencia musical las encontramos en las obras de algunos músicos del romanticismo tardío tales como el alemán Richard Wagner y el austriaco Gustav Mahler. Entre los representantes de esta tendencia musical podemos señalar a Ricardo Strauss, Alban Berg y Arnold Schoenberg -entre otros-. En el Ciclo de canciones Pierrot Lunaire (1912) Arnold Schoenber abandona todas las reglas con el objeto de lograr, para su expresión musical, la más absoluta independencia.
El Renacimiento (Siglo XVI)
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La palabra "Renacer" significa "volver a nacer", "resurgir", y hace referencia al movimiento de la Edad Media que buscó en la antigüedad griega las bases para el desarrollo a niveles filosóficos, la literatura y las formas artísticas. Pero no consistió solamente en este resurgir, también es de suma importancia el desarrollo del Humanismo que revaloriza el papel del ser humano en el desarrollo y busca su preparación y educación.
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Uno de los inventos que ayudó mucho al desarrollo de la música en esta época fue la Imprenta para Música que se debe a Ottaviano Petrucci (hacia 1500).
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Durante el Renacimiento también se da el Cisma o ruptura de la unidad de la Iglesia, surgiendo la Iglesia Reformada o Protestante.
Período Contemporáneo
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Se denomina de esta forma la época de la historia musical que se desarrolla a partir de los inicios del siglo XX. También se conoce con el nombre de Período Moderno. Pero en el sentido más amplio, se denomina música contemporánea a cualquier música que se escribe en nuestro presente. En el marco de la música académica se refiere a la música compuesta en la segunda parte del siglo XX. Aún hoy en día se discute acerca de si este término debe aplicarse a la música de cualquier estilo, o si únicamente a las composiciones de música de vanguardia.
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El término Contemporáneo, en diversos círculos académicos más restrictivos, se le aplica únicamente a la producción musical de aquellos compositores, y a ellos mismos, si aún están con vida. El problema de este término es que hace referencia más que nada a un marco de tiempo más que a un estilo de composición o de creación.
Características de la Música Contemporánea:
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- Música disonante por excelencia
- Originalidad a toda costa
- Cambios de ritmos muy frecuentes
- Marcada influencia del jazz
- Absoluta libertad en cuanto a la forma
- Más que formas musicales se manifiestan tendencias o escuelas musicales
- Utilización y manipulación del las vibraciones del sonido a través de medios electroacústicos
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Uno de los mayores problemas para la apreciación de la música contemporánea por parte de la gran mayoría de las personas se relaciona con la melodía. Recordemos que la melodía es esa serie de sonidos relacionados que nos permite reconocer una composición. Pero el compositor contemporáneo no se siente llevado a adaptar su melodía a los esquemas estandarizados de cuatro u ocho compases. No completa una frase hasta llegar a cuatro u ocho compases sólo porque la frase anterior tenía esa extensión. Expone una cosa sólo una vez, antes que dos o tres. Al abandonar la simetría y la repetición espera conseguir una melodía vibrante y tensa, en la que se ha eliminado todo lo superfluo. Ese género de melodía exige una infatigable atención de parte del oyente, pues sus frases recortadas no revelan fácilmente su significado. La melodía contemporánea no se desenvuelve sobre un fondo de acordes y escalas familiares. No se mueve dentro de los ritmos a que estábamos acostumbrados. La música académica de los últimos años encierra varios estilos que van desde firmemente conservador hasta radicalmente extremo. Cuando los oyentes acusan a la música del Período Contemporáneo de haber abandonado la melodía, lo que en realidad quieren decir es que ha abandonado los puntos de referencia familiares a los cuales se atenían para poder reconocer una melodía.
Parcial 4
Período Contemporáneo
Cantores de la Edad Media (... continuación)
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En el área de Alemania
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Minnesänger
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Su nombre significa "Cantores del Amor" y eran los personajes que andaban de pueblo en pueblo cantando poemas amorosos y hazañas épicas. Escribían sus propias composiciones.
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Meistersänger
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Su nombre significa "Maestros Cantores" y eran aquellos que escogían una ciudad en la cual se asentaban y fundaban una institución musical donde se encargaban de la enseñanza de la música. El más célebre de los Meistersänger fue Hans Sachs que era zapatero de profesión. La labor de los Meistersänger es recreada por Richad Wagner en su ópera "Die Meistersänger von Nurenberg"
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Singerlin
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Cantores populares alemanes que realizaban una labor similar a la de los juglares.
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.En otras áreas de Europa
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Bardos
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Eran poetas, cantores y compositores celtas que deambulaban por Inglaterra, Escocia, Irlanda y las Galias. Fueron sacerdotes del druismo y fueron venerados y protegidos por las leyes Célticas. Se señala que, con toda probabilidad, fueron los que originaron el movimiento trovadoresco en Bretaña.
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Escaldos
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Cantores que desarrollaron su labor en medio de las cortes y los pueblos de Islandia y la península Escandinava. Entre el tipo de cantos que utilizaban pueden señalarse las Sagas y los Eddas.
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Gleemen
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Eran acróbatas, cantantes y músicos del área de Inglaterra (aunque también se les encuentra en Escandinavia y Alemania) que se encargaban de entretener y divertir a las personas en las plazas de los pueblos. Entre sus actos contaban con la participación de perros, caballos y hasta de conejos a los cuales les enseñaban a tocar el tambor con las patas.
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Goliardos
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Este nombre hace referencia a los cantores de la Edad Media que eran estudiantes de las Universidades. Hay muchas divagaciones acerca del origen de su nombre, pero el mismo hace referencia a "goliardos"= glotones. Sus poemas, aunque en latín, eran un tanto irrespetuosos de la autoridad eclesiástica y un poco críticos y satíricos. Estos cantores cantaban en tabernas o daban serenatas para contar con algunos recursos que les ayudaran en su vida estudiantil y su vida en general. Se encuentran en diversas áreas de Europa. De su poesía las que más han destacado son: El "Gaudeamus Igitur" que actualmente es considerado el himno Universitario Universal, y algunos poemas de "Carmina Burana".
El Jazz
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Cantores de la Edad Media
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A lo largo de la era cristiana, la música popular también tiene se ha ido desarrollando, lamentablemente por haber sido considerada de menor importancia que la música religiosa es menor el estudio y ejemplos que de ella hay sobrevivido.
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Estudiaremos entonces a los personajes que tuvieron importante y destacada participación en la difusión y desarrollo de la música popular, mismos que llamaremos en forma general como Cantores de la Edad Media.
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Entre los mismos mencionaremos:
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En el área de Francia
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Los Trovadores
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El término trovador significa el que inventa o descubre. Hace referencia a los cantores populares que en el área de lo que hoy es Francia y países aledaños, andaban en forma ambulante cantando en las ferias, plazas y cortes . Pertenecían a diversas clases sociales. La característica mayor de los trovadores es que escribían sus composiciones mismas que también cantaban. El primero de los trovadores del que se tiene conocimiento es Guillaume IX de Poitú, duque de Aquitania. Pero el más famoso de ellos es Bernat de Ventadour.
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Los juglares
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La palabra juglar significa "el que divierte o entretiene", y se le dio este nombre a los cantores que andaban de pueblo en pueblo, de plaza en plaza o en las cortes cantando hazañas épicas o canciones amorosas escritas por otros personajes. El oficio de los juglares dio origen a la corriente literaria conocida como Mester de Juglaría de la que la obra más famosa es "El Cantar del Mío Cid".
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Los cazurros
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Eran los juglares de la más baja estirpe, considerados los más simples y vulgares, eran remedadores y los que se dice dieron origen al trabajo de los Mimos.
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Soldadescas
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Eran una especie de juglaresas, bailarinas y cantoras que acompañándose con instrumentos musicales divertían con su música y sus bailes a las tropas de los ejércitos.
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El Ballet y la Danza
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Desde los primeros tiempos de la humanidad, el hombre sintió la necesidad de expresar sus sentimientos y emociones a través del movimiento, actitud que dio origen a lo que identificamos como DANZA.
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Con el tiempo las danzas fueron evolucionando hacia los bailes populares y demás manifestaciones danzísticas que se han dado en la historia musical: Bailes de salón, Bailes campesinos, etc.
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Los orígenes de la Danza Cortesana los encontramos en los espectáculos de las cortes italianas renacentistas, en donde el baile estuvo presente como una forma de entretenimiento y diversión de los nobles. Debido al papel preponderante que estos tenían en los acontecimientos sociales, estas personas estaban casi obligados a bailar bien, razón por la cual se preocupaban por aprender este bello arte.
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Los primeros manuales de danza se deben a maestros italianos que viajaron por todas las cortes enseñando las danzas y los pasos de moda.
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A medida que la danza se hacía más complicada y los pasos demasiado difíciles para los cortesanos aficionados, hubo personas que se fueron especializando en el estudio de la misma, llegando a ser bailarines profesionales que profundizaron y desarrollaron técnicas nuevas y adecuadas al nuevo nivel alcanzado. Este baile o danza más profesional tomó el nombre de BALLET. Este nombre se deriva del italiano Ballare que significa Bailar.
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La primera academia de Ballet y Danza fue fundada en Francia por el Rey Luis XIV (1,661) que era más conocido con el nombre de "Rey Sol". Con esto, los espectáculos de danza de las cortes se fueron haciendo más espléndidos y complejos. Jean Baptiste Lully fue nombrado por el Rey Luis XIV como director de espectáculos musicales de la Academia, su colaborador, Pierre Beauchamps, profesor de danza del mencionado rey, está considerado como el codificador de las posiciones en que se basa toda la enseñanza del Ballet.
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Con la danza pueden alcanzarse niveles de éxtasis y de especial sensación, que en la antigüedad eran atribuidos a un poder mágico, por lo cual, la misma -al igual que la música- fue integrada a los acontecimientos religiosos y sociales importantes de las culturas.
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El Ballet alcanzó gran difusión y desarrollo en diversos países por lo que los músicos de los mismos comenzaron a crear música específica para ballet, tal es el caso de: "Giselle" del compositor francés Adolph Adam, "El Lago de los Cisnes", "La Bella Durmiente", "El Cascanueces", etc. del compositor ruso Peter Illich Tchaikovsky, "El Pájaro de Fuego" de Stravisky, etc.
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Es necesario señalar el papel importantísimo que en el desarrollo del Ballet ha jugado el famoso "Ballet Ruso" que aportó a este género nueva vida, color y mayor libertad de movimientos, así como de sus legendarios bailarines, por ejemplo: Ana Pavlova, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky y Adolfh Bolm.
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En los últimos años ha surgido la Danza Moderna como una rebelión contra las formas rígidas del Ballet Clásico. En lugar de utilizar los "tutús" y las zapatillas de punta del Ballet clásico se bailaba -por ejemplo- con túnicas holgadas y descalzo. Dos nombres deben mencionarse como impulsadores de este género: Isadora Duncan y Martha Graham. La bailarina norteamericana Martha Graham logró la supremacía del nuevo estilo a partir de la década del 40 y sus enseñanzas han sido decisivas para la expansión y aceptación de la danza moderna en gran parte del mundo.
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Dora Angela Duncan, conocida como Isadora Duncan, nació en San Francisco, California, el 27 de mayo de 1878 y murió en Niza, Francia, el 14 de septiembre de 1927.
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Sus padres se divorciaron cuando ella tenía poco tiempo de haber nacido, siguiendo una serie de eventos que culminaron en el encarcelamiento de su padre, acusado de un fraude bancario. La madre de Duncan se encargó de su educación, en la que predominaba la música de Mozart, Schubert y Schumann. Cuando Isadora llegó a la adolescencia, la familia se mudó a Chicago, lugar en donde Duncan estudió danza clásica. En un incendio, la familia pierde todo y se muda nuevamente, esta vez a Nueva York, donde Duncan ingresa a la compañía de teatro del dramaturgo Augustin Daly. Al cumplir Duncan 21 años, la familia se traslada a Londres, donde Duncan entra a estudiar artes al Museo Británico..Su estilo de danza era completamente nuevo y rompía con la rigidez del ballet clásico, además de utilizar música de concierto, que originalmente no había sido compuesta para ser bailada. En una Europa donde florecían las vanguardias en todas las artes, Duncan recibió una muy buena acogida. Fundó compañías de danza en varios países europeas, incluyendo Alemania, Francia y Rusia; y tuvo como alumnas a Martha Graham y Mary Wigham.
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La tragedia de su vida empieza en 1913 cuando sus hijos Diedre (7 años) y Patrick (2 años) mueren en un accidente de automóvil en Paris. En sus últimos años, la bailarina se estableció en Niza, Francia, donde pereció en 1927 en un accidente con su propio automóvil, al estrangularla su bufanda atorada en la llanta.
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Martha Graham nació el 11 de mayo de 1894 y murió el 1 de abril de 1991. Fue una bailarina y coreógrafa estadounidense reconocida como una de las más grandes innovadoras en la danza moderna.
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Nació en Pittsburgh, Pennsylvania y se mudó a California siendo una niña. Después de ver a Ruth St. Denis bailar en los años 1910, tomó un interés por el baile. No fue sino hasta los 22 años (1916) que se interesó profesionalmente, entrando en el Denishawn. En 1925, Graham se convirtió en instructora de baile en la Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester, Nueva York. Se abrió paso sola, pero con el constante apoyo de Louis Horst, un acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se convirtió en su amante y mentor musical. En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.
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Estudió danza moderna en la compañía de Isadora Duncan.
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En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham, que marcó el comienzo de una nueva era en la danza contemporánea. "Steps in the Street" trajo serios problemas al escenario para el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran Depresión y la Guerra Civil Española, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de baile, y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en día.
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La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950. En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva en 1965, Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.
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Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa.Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud).
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Graham continuó trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años. En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes del siglo XX.
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El nombre de las notas musicales
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El aprendizaje de las melodías de canto gregoriano, y luego de los "organa" debía hacerse de memoria pues la rudimentaria escritura musical neumática que existía no proporcionaba datos exactos en cuanto a ejecución de la obra.
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El hecho de que las notas musicales no contaban con un nombre, también hacía difícil el proceso de aprendizaje. Hacia el siglo X, en la Abadía de Cluny, en Francia, Odón (mejor conocido como Odón de Cluny) que era el adab que tenía a su cargo la dirección de la misma, y que se encargaba de la preparación de los Coros, había enfrentado ya esta problemática, por lo que se dio a la tarea de buscar o crear una nomenclatura para nombrar los diversos grados de la escala musical.
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En sus estudios propone los nombres: Buc, Re, Scembs, Caemar, Neth, Uiche, Asel. Aunque aplicó estos nombres en el trabajo que realizó con los coros que preparó, los mismos no alcanzaron una difusión ni aceptación en el mundo musical, así que su esfuerzo no quedó más que en un intento.
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En la región italiana de Arezzo, otro monje de nombre Guido Aretinus (mejor conocido como Guido D'Arezzo) tomó las bases teóricas trabajadas por Odón de Cluny, y prosiguiendo con sus estudios propuso una nueva nomenclatura para el nombre de las notas.
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Las anécdotas cuentan que Guido se encontraba enfermo de la garganta y que no fue si no hasta que un día tras entonar el Himno "Ut queant laxis" o "Himno a San Juan Bautista" (escrito por Warnefredo en el período Homofónico) sanó de sus dolencias. A este himno se le atribuyeron entonces propiedades curativas sobre enfermedades de la voz y la garganta. En agradecimiento por su curación se dice que Guido utilizó este himno y con el mismo designó el nombre de las notas musicales.
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La primera estrofa de dicho himno dice:
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UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli tuorum,
SOLve polluti
LAbii reatum,
Sancte Ioannes
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Y tomando la primera sílaba de cada verso Guido se la asignó a cada uno de los grados de la escala musical que en ese entonces desconocía el séptimo grado o sensible. Más adelante la primera silaba UT, fue reemplazada por DO. Se dice que fue el compositor del siglo XVII Giovanni Battista Doni quien tomó la silaba Do de su apellido para dárselo a este primer grado de la escala pues el sonido UT era muy poco resonante y dificultaba su pronunciación. También se dice que él nombre DO proviene de la palabra Domine que hace referencia al Señor. Cuando se descubrió el séptimo sonido, hacia 1599, e hizo falta un nuevo nombre para el mismo, se dice que Erich van des Putten sugirió la utilización de la sílaba BI tomada de "Labii", pero una gran mayoría de los expertos en teoría musical aseguran que la sílaba SI se formó de las letras iniciales de las dos palabras del último verso: Sancte Ioannes.
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Otros aportes de Guido D'Arezzo al mundo de la música son:
* El mejoramiento del pautado musical, motivo por el cual recibió el nombre de Padre del Pautado Musical.
* La solmización, que no es más que la entonación de una nota musical diciendo el nombre de la nota al tiempo que se emite su sonido. (Es decir nuestro actual solfeo)
* La Mano Guidónica o Mano Guidoneana, que no es más que un recurso mnemotécnico o memorístico para facilitar la lectura musical.
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La ópera
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Los inicios de la ópera los encontramos entonces con la Camerata Florentina, en Italia, en donde pensadores, literatos, nobles y artistas la integraban. Uno de ellos, Jacobo Peri es considerado el autor del primer ensayo operístico: Dafne o Dafnis, que lamentablemente no se ha encontrado completo. Pero es a Claudio Monteverdi a quien hay que señalar como el compositor con el cual esta forma musical logra demostrar sus grandes posibilidades de éxito económico, ello con la obra: Orfeo.
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La opereta
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La palabra Opereta es un diminutivo de la palabra ópera. Se considera como una derivación de la ópera bufa italiana y de la ópera cómica francesa pero con caracteres marcadamente inferiores.
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La opereta se distingue por sus argumentos jocosos, humorísticos, por su gracia y ligereza. Es una obra escénica con intervención musical, alternando los trozos cantados con los hablados. Los compositores vieneses fueron quienes más cultivaron este género, pudiéndose mencionar a Franz Lehar con la famosa "Viuda Alegre" y "El Conde de Luxemburo", Oscar Strauss, autor del "Soldado de Chocolate".
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La creación de la Opereta se le atribuye al francés Florimón Hervé, pero la popularidad y la difusión del género se le deben al compositor Jacques Offenbach, quien con sus obras de jocosos y picarescos argumentos, su música llena de ritmos espléndidos y melodías chispeantes, logró cautivar al público parisino de su tiempo. En sus obras Offenbach se burla y desmitifica los personajes y sus valores. Orfeo, personaje que con extraordinario cuidado y seriedad fue tratado por compositores como Monteverdi y Gluck, es totalmente transformado en la opereta "Orfeo en los Infiernos" de Offenbach. Otras operetas de este compositor fueron: "La Bella Helena" y "La Vida Parisina".
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En Austria, la opereta arraigó con un estilo propio en el que "el vals" se impuso como el ritmo de exportación de este país, al igual que años antes, el famoso "Can-Can" (predominante en las operetas de Offenbach) lo había sido en Francia.
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Otros destacados compositores de la opereta vienesa fueron Johann Strauss, Franz Von Suppé y Franz Lehar.
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La Zarzuela
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imilar a la ópera, la Zarzuela es una composición teatral solamente que en ella aparecen la declamación o diálogo recitado que alterna con los cantos acompañados por orquesta y coros.
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El origen de la Zarzuela es español, su nombre viene del "Palacio Real de la Zarzuela", residencia veraniega de Felipe IV, donde se hicieron las primeras representaciones por el año 1,830. Al principio se le llamó "Fiesta de Zarzuela" debido a la costumbre de presentarlas en el citado Palacio, el cual había sido construído en un pasaje cercano a Madrid que hasta ese entonces había estado cultivado de zarzas.
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La Zarzuela nació como una reacción en contra de la ópera, pues esta última contaba con personajes de tipo novelesco, lo cual no encajaba con las costumbres y espectativas de la población española. Por lo contrario, la Zarzuela se basaba en melodías y argumentos sacados de las tradiciones y costumbres propias del pueblo español.
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La Zarzuela, como forma musical, se derivó de la "tonadilla". La tonadilla era una pequeña obra escénica que se caracterizaba porque al final se presentaban algunas danzas de ritmo típico español, a las que posteriormente se les fueron intercalando canciones. Poco a poco la música fue tomando una importancia cada vez mejor hasta convertirse en lo que se conoce como "ZARZUELA".
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En las Zarzuelas predomina el factor "cómico" (es decir, no es ni trágica ni religiosa), generalmente está escrita en tres o cuatro actos, contiene diálogos, canciones para una sola voz, duos, tríos y coros.
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La Zarzuela evolucionó hacia obras más ligeras, enraizadas en la tradición popular madrileña dando lugar al nacimiento del llamado Género Chico.
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Existen dos clases de Zarzuela: el Género Grande y el Género Chico.
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El Género Grande es aquel en el cual las obras se desarrollan en todo su esplendor y magnificencia.
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Se denomina Género Chico al conjunto de obras drámaticas en un solo acto, de carácter cómico, que se solían representar como complemento de dramas o como espectáculo de base en el llamado Teatro por horas. El apogeo de este género se dio en España, en los últimos veinticinco años del siglo XIX.
Perído Polifónico
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La palabra polifonía significa: Poli=varias Phonia=sonido, voces, es decir varios sonidos o voces simultáneas. Los orígenes de la polifonía se encuentran en el norte de Europa y los países Escandinavos.
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El período Polifónico se divide para su mejor estudio en cuatro épocas musicales:
Época Románica
Época Gótica
Época Renacentista y
Época Barroca
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Época Románica (Siglo X)
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El personaje destacado de esta época es el monje Hucbaldo (840-930)que vivió en el Monasterio de Saint-Amand. A él se le atribuye la invención o descubrimiento del órganum que también recibe el nombre de diafonía y que se define como: Polifonía a dos voces en movimiento directo y paralelo. De estas dos voces el Canto Gregoriano de la cual se origina recibe el nombre de vox principalis mientras que la voz que se agrega por debajo de este canto recibe el nombre de vox organalis. Luego surge otro tipo de polifonía en la cual las voces en el lugar de hacer un movimiento directo hacen un movimiento contrario, a este tipo de polifonía se le denominó Contracanto o discanto.
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Época Gótica (Siglo XI - XIII)
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En esta época se señala la Catedral de Notre Dame (París, Francia) como el lugar en el cual ven su nacimiento muchas de los adelantos musicales que sirvieron de base para el desarrollo de formas, estilos y técnicas de composición.
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Como parte de la Escuela de Notre Dame se desarrolló lo que en la actualidad es conocido con el nombre de:
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Ars Antiqua, en donde sobresalen personajes tales como Leoninus, que es llamado "Optimus organista" y que es considerado el escritor más profuso y destacado de "organa pura" a dos voces. Los aportes musicales de Leoninus están recopilados en un documento llamado "Magnus Liber Organi". Alumno y seguidor de Leoninus fue Pérotinus que es el personaje con el cual el Ars Antiqua alcanza su más alto nivel. Pérotinus descubre y utiliza una tercera y hasta una cuarta voz en su polifonía, razón por la cual recibe el calificativo de Pérotinus Magnus "Optimus Cantor.
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Tras este alto nivel alcanzado surge un teórico musical que supera todo lo que musicalmente se había alcanzado. Este personaje es Felipe de Vitry y entre sus tratados musicales sobre sale el conocido con el nombre de "Ars Nova Musicae" del cual tomó su nombre la época musical que él encabeza y que actualmente es llamada Ars Nova. Vitry es considerado el músico teórico del Ars Nova y es el responsable de haberlo introducido a Francia. Seguidor de Felipe de Vitry encontramos a Guillaume de Machaut (o Machault), músico que lleva a la práctica los postulados teóricos de Vitry. Guillaume de Machaut es considerado el músico práctico del Ars Nova.
La ópera
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Es una especie de obra teatral en la cual los personajes en el lugar de hablar cantan sus papeles. La palabra "ópera" es el plural de "opus" que significa "obra".
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Sus primeras manifestaciones las encontramos en la época renacentista a raíz de los planteamientos de la "Camerata Florentina" que buscaba redescubrir las manifestaciones de la poesía cantada de la antigua Grecia.
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En una ópera encontramos una parte literaria que recibe el nombre de Libreto. El escritor de esta parte se conoce como libretista y muchas veces no es la misma persona que se encarga de la creación del aspecto musical.
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La parte musical es conocida con el nombre de Partitura y se debe al compositor. Una partitura comprende toda la escritura musical de todos los instrumentos que se utilizan en una obra. La parte individual de cada instrumento recibe el nombre de Particella. La unión de la parte literaria y de la parte musical de una ópera recibe el nombre de Espartito.
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En una ópera encontramos el canto de Arias (Canto solista con acompañamiento instrumental), Recitativos (partes con poco acompañamiento y líneas melódicas sencillas y sin mucho lucimiento), Dúos, Tríos, Coros, Intermezzos, etc.
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Toda ópera va precedida de una forma musical denominada Obertura.
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Existen diversos tipos de oberturas:
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Obertura temática, que se desarrolla sobre un tema de la ópera.
Obertura de tipo popurrí, que utiliza varios temas de la ópera y los interrelaciona.
Obertura de Concierto, que es la que se crea en forma independiente de una ópera.
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También es posible señalar diversos tipos de óperas:
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Ópera Seria, con argumentos abordados en forma seria y en sus inicios regularmente sobre aspectos mitológicos.
Ópera Bufa, con argumentos cómicos o que mueven a la risa. En Francia este tipo de ópera se conoció con el nombre de Ópera Cómica.
Singspiel, que es un tipo de ópera en idioma alemán.
La primera parte del período se utilizó para realizar la primera prueba corta del semestre